Mercado del arte, posicionamiento del artista en el marco socioeconómico actual y autopromoción del artista

Posicionamiento del artista en el marco socioeconómico y cultural.

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El hombre siempre ha sentido admiración hacia aquello que rozase la excepcionalidad[1] y, se ha visto en la necesidad de contar historias e ilustrarlas. A lo largo de la historia, el arte ha constituido una parte importante para la construcción de cosmovisiones en las sociedades. Vasari, un historiador, biógrafo de grandes artistas coetáneos a su tiempo durante el renacimiento, afirmaba que los hombres hacedores de arte eran poseedores de dotes de excepcionalidad en cuanto a habilidades técnicas en la manera de manipular la materia y moldearla con el fin de recrear seres y/o situaciones presentes en la naturaleza o imaginadas y, sensibilidad e inquietudes fuera de un común denominador dentro de una sociedad.

 

Antes de dar cuenta del punto de situación del artista, actualmente, y la herencia del arte en el presente, es necesario enfocarse en los antecedentes más significativos del pensamiento humanista de la modernidad.

 

Nos remontamos a los siglos de la Ilustración, ya casi al final de esta etapa, -hacia finales del siglo XIX-, los valores humanistas destacados hasta entonces como el universalismo, los derechos humanos y otros; son cuestionados y entran en crisis. Es entonces cuando entra el mundo en guerra. Ésta aparece como posibilidad de renovación de un mundo ya caduco. Las Grandes Guerras suponen el fin del pensamiento moderno y, con ello, el arte de la Ilustración. En un mundo hecho pedazos, el arte asume la tarea de explorar la verdad y la comprensión.

 

La vía de la verdad y el embarcarse en la comprensión de la realidad devastada por la guerra se exige para logar una vía reconciliadora y catártica de la humanidad. El arte entra en un proceso de deshumanización en el que la imagen ya no es poseedora de rostro humano; es un arte en el que la forma aparece des-construida tal como se muestra la realidad en ese momento: destruida. De este modo, según Ortega y Gasset en la Deshumanización del arte, sucede ahora la exigencia de mostrar las cosas tal como son y no de acuerdo a la recreación de unos ideales como ocurría durante la época de la Ilustración.

La deshumanización es ya la propuesta de una concepción humanista alternativa. Entonces, la realidad se centra en la representación de ideas, conceptos difícilmente identificables en calidad de objeto tangible por el observador. En el nuevo arte, se haya la pretensión del despertar de conciencias[2].

 

Por su parte, Roland Barthes, -otro de los referentes para entender la posición del artista en estos momentos-, contribuye a definir la situación del arte de siglo xx y, más en concreto, la escritura de la contemporaneidad. En su ensayo La muerte del autor, define muy claramente la posición del autor-creador contemporáneo. La imagen Autor-Dios ha quedado desacralizada. El autor ya no es una persona de la cual emana un mensaje original, trascendente y quasi teológico, sino que se limita a mezclar ideas, mitos y escrituras ya existentes. Por tanto, el producto final del autor, según lo entiende Barthes, no es nunca original creado por una única voz[3].

 

Entre el Renacimiento y la Ilustración, en las sociedades occidentales, puede entenderse la figura del autor como una persona endiosada, con cierto prestigio, gracias su originalidad creativa. Sin embargo, en las sociedades tribales, el relato jamás fue la creación de una única persona. Sí que es cierto que existía un mediador que poseía el dominio del código narrativo. En estas sociedades el relato nunca había sido poseedor de la identidad de un creador.

 

En el pensamiento de la contemporaneidad es revelador el hecho de que el objeto del texto es la parte que cobra relevancia, relegándose a un segundo plano la figura del autor. Es decir, no se trata ya tanto de quién ha hecho qué, sino de qué es lo que ha hecho quién y cuáles han sido sus fuentes. Y la obra se convierte en un espacio donde confluyen diversas escrituras o ideas, -de las cuáles ninguna de ellas es la original. Todas ellas provienen de múltiples focos de la cultura.

 

La escritura contemporánea, entonces, ya no tiene un sentido último y trascendental; sino que se caracteriza de ser múltiple en cuanto a la recogida de ideas e interpretaciones. Por tanto, es en este momento cuando el papel del lector cobra importancia y, podría decirse que lo mismo ocurre en el ámbito del arte: el espectador es quien ahora cierra el significado de la obra, elaborando su propia interpretación y dándose lugar a múltiples voces de opinión e interpretación sobre un texto o una obra. Como dijo Roland Barthes,

<<el nacimiento del lector se paga con la muerte del Autor>>.

 

Y adaptando el significado de la cita al campo de las artes visuales, podríamos decir,

<<el nacimiento del espectador se paga con la muerte del Autor>>.

 

De toda esta parafernalia, hemos visto y podemos añadir que los cambios en las artes, al igual que en el pensamiento, la economía y política en las sociedades, son inevitables. Los cambios se hacen visibles en más o menos tiempo, dependiendo de las condiciones específicas de una sociedad. Una sociedad decide qué artes se ven afectadas a transformación, de qué modo y su aceptación, en función de los valores culturales de una sociedad en particular y el grado de posición ocupen en la misma. Por tanto, las diferentes formas artísticas no cambian al mismo tiempo, no lo hacen en el mismo grado, y éstas no se relacionen de un mismo modo con el cambio social[4].

 

Sin embargo, no hay que perder de vista el objetivo de esta investigación que es la recepción de la obra de arte en la sociedad y, en concreto aún, la promoción y el comercio con la misma. Entonces, no podemos perdernos en detalles históricos ni literarios; sólo los importantes para contextualizar. Tanto el trabajo como el trabajo esencialmente artístico, se han visto afectados, para bien o para mal, por las directrices del capitalismo, marco socioeconómico en el que la sociedad global se haya en el presente[5].

 

 

Con la aparición del capitalismo, el artista sufre la separación de cualquier grupo social definido y, en cuanto al mecenazgo, desaparecen las antiguas formas de mecenazgo y es cuando aparecen los marchantes de arte. Sin embargo, antes de que llegara el capitalismo, los artistas estaban muy integrados en las estructuras sociales en las que trabajaban pintando y escribiendo por encargo para patronos aristócratas, exponiendo en Academias[6].

 

El sistema del siglo XV, integraba a patronos y a la Academia pero, poco a poco, fueron siendo sustituidos, progresivamente, por el sistema de críticos y marchantes de arte. Actualmente, se han creado sistemas de becariado, impulsados por el gobierno o instituciones privadas con el fin de apoyar la producción en los proyectos de artistas[7].

 

 

<<En todas las épocas, influye el modo en que los artistas y escritores desarrollaron su carrera y, por tanto, los valores y actividades particulares que los llevaron hacia ella a través de su familia y orígenes sociales afecta al tipo de trabajo que realizan como artistas y si la formación especializada tiene también su parte, los procesos de la institución del aprendizaje puede “formar” a artistas e influir en la dirección de su desarrollo>>. (Wolff: 1997: 49).

 

Hay que tener en cuenta que la creación y producción de la pintura no es 100% libre; puede verse afectada explícitamente por las demandas de los patronos y por los encargos. Y puede estar implícitamente afectada por el tipo de formación que recibe el artista y dónde[8]. Las influencias sociales que circundan a una obra artística son indirectas; puede influir en su producción, distribución y recepción, – todo depende de la demanda del gusto de la época.

 

La recepción de una obra estará determinada, no sólo por las actividades de los críticos; las cuales influyen a la recepción y al éxito de una obra, sino también estará tremendamente influida por la situación histórica de la obra artística, literaria, musical, visual o escénica .

 

Según Vázquez, <<el artista está sometido a los gustos, preferencias, ideas y nociones estéticas de quienes influyen en el mercado. En la medida en que produce obras de arte destinadas a un mercado que las absorba, el artista no puede dejar de prestar atención a las exigencias de este mercado: éstas afectan muchas veces tanto al contenido como a la forma de una obra de arte, poniendo por tanto limitaciones al artista, ahogando su potencial creativo, su individualidad>>[9].

 

Entonces, el éxito de un artista en la sociedad no sólo está determinado por el gusto de una determinada época sino también al nivel económico del país; lo que significa que a mayor PIB de un país, mayor es la posibilidad invertir gastos en producción y promoción en arte (clasificado, normalmente, dentro del sector lujo ya que entra dentro de gastos superfluos en un país) y mayor será la oferta y, a su vez, una mayor demanda. Normalmente, el arte es promocionado y se da a conocer al público a través de mediadores como:

  • Galeristas
  • Críticos
  • Art consultants
  • Publicistas
  • Conservadores de museos
  • Editores de periódicos

 

Finalmente, es importante tener en cuenta que, toda creación de arte es una expresión de los valores e ideas de la sociedad, política y economía de un lugar determinado. Y por lo que, en función de la ideología de la obra, la del personaje patrocinador y la sociedad donde ésta sea promocionada, se podrá estimar más o menos su acogida en dicha sociedad. La obra de Bartolomé Esteban Murillo no sólo tuvo una excelente acogida entre los habitantes de Sevilla, -la ciudad natal y de residencia en vida del pintor-, gracias a su gran habilidad técnica. Sino también a la representación de una serie de valores e ideas visibles en la temática de sus obras, muy valoradas en la época en la que le tocó vivir al pintor. Sí es cierto que hoy en día, hay una mayor pluralidad en la comprensión y apreciación de unos valores e ideología de relevancia, según para que sociedad o grupo contracultural. Por lo que, puede resultar más complejo estimar la acogida de una obra de arte determinada en un momento determinado y, según para qué lugar, -dando por sentado que la obra de la que estamos hablando es de calidad, que siempre es más atractiva al público.

 

Lugares de promoción del artista y su obra. Lógicas de funcionamiento del espacio expositivo.

 

El prestigio de un artista se le es adjudicado a través de los profesionales expertos en el arte. Éstos son: los comerciantes, críticos, investigadores y coleccionistas; -personajes de influencia que, ya forman parte de un público cultivado-, y fijan una opinión que genera una buena repercusión sobre el artista y su obra. Esta opinión es la que ayuda al artista a ser distribuido dentro del mercado del arte. Así es que, como dijo el sociólogo Howard S. Becker:

<<Lo que no es distribuido no es conocido y por ello no puede ser bien conceptuado o tener una importancia histórica. El proceso es circular: lo que no tenga prestigio no será distribuido. Esto significa que nuestra última consideración de lo que constituye gran arte tendrá que tener en cuenta la manera de distribución –con sus intrínsecas bases profesionales- […]”[10].

 

Entonces, se distribuye aquello que tiene un aparente valor a los ojos de los profesionales del mundo del arte. Pero no es posible apreciar el valor de esa obra sin antes haber sido distribuida. ¿Cómo entrar en ese círculo? He ahí la cuestión.

Existen varios circuitos de distribución de arte, donde éste puede ser visibilizado y ganar apreciación por parte de la sociedad como los Salones de Arte, Galerías de arte, Casas de subastas, Ferias de Arte, Redes sociales y a través de los Influencers.

 

 Salones de arte

Salon de Paris 1787
Salón de París 1787.

El salón de arte más antiguo fue Le Salon de peinture et de sculpture o Salon de Paris cuyo objetivo principal era la muestra de la obra de los recién graduados de la Academie des Beaux-Arts de París. Cada año, desde 1725 hasta 1880, la academia organizaba este certamen y exposición, celebrado en el Palacio del Louvre. A partir de 1881 es convocada por la Société des Artistes Français. Se hacen públicos a partir de 1737; anteriormente, eran semipúblicos. Y a partir de 1748 se introdujo un jurado formado por artistas reconocidos y desde 1749, comenzaron a otorgarse medallas. A partir de ese momento, entre 1748 y 1890, se convirtió en el salón más influyente del mundo, especialmente para la burguesía.

Entre el material artístico exhibido se podían encontrar pinturas, esculturas, grabados, dibujos y fotografías, a partir de su aparición. En los Salones organizados a partir de la segunda mitad del siglo XIX, las obras exhibidas llegan a la cifra de más de 7.000, de las cuales más de la mitad eran pinturas[11].

 

<<En efecto, exponer en el Salón era una cuestión vital para el artista; no sólo estaba en juego su prestigio personal, suponía además (mío; -y sigue suponiendo) un asunto de trascendencia profesional, en el plano económico>>. (Cervera, Isabel: 2003: 75).

 

Desde 1769, la Royal Academy of Arts de Londres celebra la Royal Academy Summer Exhibition. Tiene lugar en la Burlinton House, sede de la RA[12], en Londres. Está considerada la exhibición más grande en la cual la participación es libre y gratuita. Entre la selección de obras de arte se incluye obra que va del rango desde los artistas más emergentes hasta los artistas más veteranos. Entre lo que es habitual en exponerse en estos salones se encuentran obras del género de la pintura, escultura, fotografía, grabados, vídeo y maquetas. Desde sus comienzos, esta exposición se ha celebrado anualmente durante los tres meses de verano, desde junio hasta agosto. Numerosos grupos de gente asisten cada año a esta exhibición situada en la capital anglosajona, ciudad de las finanzas y antigua potencia europea de la revolución industrial[13].

 

Los salones de arte en España eran organizados por la Real Academia de San Fernando entre 1856 y 1968. Anualmente, convocaban las Exposición Nacional de Bellas Artes. Hoy en día, los salones de arte son organizados por la Asociación Española de Pintores y Escultores en la Casa de Vacas, situada en el Parque del Buen Retiro de Madrid. Aquellos que más visibilidad tienen entre el público son los Salones de Otoño y los organizados en la Primavera, donde es habitual ver pintura y escultura.

 

 

Cubo Blanco o Galería de arte

SONY DSCLas galerías de arte en España se concentran, principalmente, en: Madrid, Barcelona y Valencia. En el modelo tradicional de galería de arte se encuentra la función de venta y promoción del arte. Algunas, actualmente, se están encargando de financiar los gastos de producción de la obra del artista. Estiman un presupuesto de gastos en materiales con el artista que, más adelante recuperan con la venta de la obra. Entonces, habitualmente, las galerías se llevan entre el 40%- 50% de comisión por la venta, no incluyendo gastos de producción y gastos de IVA e IRPF[14].

 

El tipo de arte que entra en cada galería de arte es decisión del mismo propietario del negocio, y a sus efectos, el galerista. Por lo que, dichas decisiones suelen atender a los gustos de su propietario.

Estos establecimientos, son modelos de negocio de tipo privado ya que están bajo propiedad y gestión de una, dos, tres o, como mucho, cuatro personas. Entre los modos de comerciar de las galerías de arte, Miguel Espel, agrupa tres maneras de vender arte:

  • 1er grupo: Anticuarios y galerías de arte que adquieren la obra de arte para después venderla bajo los pretextos que dicho comercio estime.
  • 2º grupo: Anticuarios y galerías de arte que operan de modo mixto.

En algunos casos, invierten grandes capitales en la compra de obra, con la finalidad de venderla con entera libertad. En otros, trabajan con obra de terceros que mantienen en depósito hasta que es adquirida por el coleccionista, cobrando el porcentaje de comisión por la operación de venta a la persona interesada en la realización de la susodicha.

  • 3º grupo: Galerías de arte contemporáneo.

Trabajan comerciando y promocionando obra de artistas en activo. Suelen funcionar dejando la obra del artista en depósito hasta que es adquirida por algún coleccionista, recibiendo una parte del capital de la venta en beneficio particular, con la finalidad de cubrir gastos del establecimiento y personal trabajador.

En raras ocasiones, compran la obra del artista. Este tipo de galerías suelen ser de capital pequeño.

 

El lugar de la galería de arte, podría decirse que, se asemeja al limbo. Es el emplazamiento intermedio que hay entre el estudio de un artista y el salón de casa de algún coleccionista. El espacio de la galería de arte se caracteriza por tener una apariencia cuidadosamente neutral para que ninguna otra cosa pueda interferir con la venta del objeto artístico[15]. Se trata de un espacio que se dedica por completo a la ensalzamiento de lo estético.

 

<<La galería ideal sustrae del objeto artístico todo indicio que pueda interferir con el hecho de que se trata de arte. La obra se encuentra aislada de todo lo que pueda menoscabar su propia autoevaluación. Las galerías, podría decirse, que mantienen, en ese sentido, un sistema de valores cerrado parecido a la santidad de una iglesia, la solemnidad de una sala judicial o la mística de un laboratorio de investigación, unido a un diseño chic para producir un espacio singular dedicado a la estética. Una galería se construye con leyes tan rigurosas como las que se aplicaban en la construcción de una iglesia medieval. El mundo exterior no debe penetrar en ella y, por eso mismo, suelen estar cegadas. Las paredes están pintadas de blanco. La luz viene del techo. El suelo, o bien es de una madera tan barnizada que, al andar los pasos se escuchan como en un hospital, o bien está cubierto por una moqueta en la que no se hace ningún ruido y sobre la que los pies descansan mientras la mirada se posa sobre la pared. Así, como se solía decir, el arte puede “vivir su propia vida>>.

 

 

3.3 Casas de subastas

En España, la primera casa de subastas en fundarse fue la Sala Durán en 1969. Hacia la década de los setenta, abren sus puertas las salas internacionales Sotheby’s y Christie’s donde la venta predominante serían las obras de pintura antigua y más tarde, en los noventa, incluirían a sus lotes de venta, pintura contemporánea. Estos negocios son de tipo público.

Las casas de subastas son la parcela del mercedo del arte que goza de la mayor confianza y simpatía del público, sobre todo, en los países anglosajones, donde hay mayor costumbre a hacer transacciones comerciales en subastas. Christie’s y Sotheby’s, son referentes desde el siglo XVIII en cuanto a garantías de autenticidad de la obras de arte, su datación y atribución[16].

 

Las casas de subastas cuentan con más accionistas que una galería de arte, por lo que, pueden disponer de más recursos económicos respecto al otro modelo de comercio[17].

 

3.4 Ferias de arte

Las ferias de arte son eventos organizados por, bien organismos públicos o, bien organismos privados, en lugares de gran envergadura dónde se puedan alojar un gran número de galerías de arte nacionales e internacionales con sus stands para exponer obras de arte y, también un gran número de visitantes. Suelen organizarse con una periodicidad anual en ciudades grandes del mundo y no suelen durar más de tres días consecutivos. Nacen para dar respuesta a la creciente expansión de las casas de subastas y, como consecuencia, de la cada vez menor asistencia del coleccionista a los locales del comerciante, su galería de arte. Cuando empiezan a tener éxito entre los anticuarios y galerías de arte moderno y contemporáneo es, a partir de la década de los noventa. Al organizarse en lugares tan grandes, y concentrar tantos “escaparates” de obras de arte, fueron son un gran atractivo para el público.

 

Arco es la feria de arte contemporáneo más importante de España. Fue creada en 1982 y se ha convertido en un dinamizador del mercado del arte y punto de encuentro para galerías de arte internacionales, coleccionistas de arte privados o para instituciones y público en general[18].

 

Las ferias más importantes que suelen visitar los coleccionistas de arte son:

  • Armory Show New York
  • Frieze Art New York
  • Art Basel Miami Beach
  • TEFAF Maastricht
  • Art Cologne
  • Art Basel
  • Frieze London
  • Art Dubai
  • Melbourne Art Fair
  • Auckland Art Fair

 

Sin embargo, como consecuencia de los elevados precios de alquiler y montaje de los stands para la galería en las ferias, el precio de la entrada para el público se ha disparado de una manera considerable.(Espel, 2013).

 

   Redes sociales

El mercado del arte en Internet ofrece un amplio panorama en el que tienen cabida desde los críticos, Art Consultants, los artistas, los posibles compradores, vendedores e investigadores.

Según Patricio Binaghi, creador de la plataforma digital para la venta y promoción de arte emergente Atelier des Jeunes, las redes sociales ayudan a dar más visibilidad e incrementar las ventas de los proyectos artísticos; sobre todo, en el caso de los artistas emergentes[19].

 

(Para más información consultar Anexo)

 

Redes sociales esenciales para la promoción de arte:

  1. Instagram
  2. Facebook
  3. Pinterest
  4. Twitter
  5. Behance
  6. Dribble
  7. PR Web (Public Relations Web)

 

3.6 Influencers

En el mundo del arte anglosajón, a los críticos de arte, curadores, art consultants (consultores de arte), galeristas, conservadores de museos y personal de investigación en el arte, en general, es considerada como Influencer. Se trata de una <<persona que ante todo es un experto conocedor de un determinado sector de actividad, capaz de identificar cambios, tendencias […] Se asocia al concepto de gurú. Colabora en ocasiones con medios de comunicación, en eventos corporativos e institucionales>>[20].

 

El gusto, normalmente, lo determinan los marchantes, coleccionistas, críticos y conservadores de museos; personas de influencia que constituyen el mundo del arte. <<Algunos se conocen entre sí y se comunican directamente; otros se comunican por medio de libros , revistas de arte y blogs. El poder pasa de un sector a otro a medida que cambia la cultura>> (Valverde, I: 2003: 72).

 

En la presente redacción, no es de nuestro interés detenernos a hablar de todos los tipo de Influencers, anteriormente citados. Únicamente, hablaremos acerca de la importancia de la figura del crítico de arte desde los inicios de la modernidad, el curador y el Art Consultant como personaje, a veces, indispensable para la decisión final de adquirir una determinada obra de arte por el coleccionista.

 

A pesar de la aparición de la prensa y su extraordinario crecimiento, la conformación de una opinión pública dependió decisivamente gracias a la aparición de otras “instituciones” complementarias, como los cafés ingleses[21] y los salones parisinos. Así es como se fue difundiendo la educación estética del nuevo público lector burgués[22].

Baudelaire, en su carta dirigida a la burguesía:

<<Vosotros sois la mayoría […] unos sabios, otros propietarios. […] Es justo que los que no son más que propietarios aspiren a convertirse en sabios. […] Pero es necesario que seáis capaces de sentir la belleza.

[…] Gozar es una ciencia y el ejercicio de los cinco sentidos requiere una iniciación particular, que no se consigue más que por la buena voluntad y la necesidad.

[…] El arte es un bien infinitamente precioso, un brebaje refrescante y reanimador, que reestablece el estómago y el espíritu en el equilibrio natural ideal>>[23].

 

La crítica de arte de la modernidad surge como respuesta a la existencia de un nuevo público de arte, una clase social burguesa en continua formación. Entonces, la crítica moderna consistía en una valoración individual e interpretación escrita de la obra de arte dirigida a ese público con el objetivo de crear unas ideas estéticas más o menos consensuadas y así crear opinión pública. Todo esto no hubiera sido posible sin la aparición de la libertad de prensa en el paso del siglo XVII al XVIII.

<<Es en este espacio entre el artista y el público en que debe situarse la crítica de arte, que aquí se entiende como género específico de reflexión sobre la producción artística contemporánea, originado en el siglo XVIII con la reinstauración de las exposiciones periódicas de la Academia. El espacio de la crítica no es otro que el de la mediación>>[24].

 

Entre el arte producido por el artista y el crítico, como figura evaluadora del objeto de arte. Está la figura del curador o comisario que, es el responsable de la concepción teórica y de su implementación en un espacio expositivo. A la hora de presentar una exposición sobre la obra de un artista, digamos, que tiene la función de arrojar luz y proporcionar las herramientas para un análisis crítico o, mejor dicho, de comprensión. Realizan una labor muy importante en torno a la mediación, difusión y divulgación del arte ya que éste es quien selecciona aquella información que él quiere presentar. Después de haber hecho la labor de diseminación y selección de información y la preparación de dicho material con la finalidad de que sea materializado en una exposición que pueda ser visitaba por el espectador.

 

La figura del Art Consultant es relativamente nueva entre la de los profesionales del arte. Se trata de una persona experta en arte que se encarga de aconsejar a coleccionistas privados, empresas y fundaciones a la hora de adquirir una obra de arte en relación a los gustos del cliente. También puede decirse que realizan funciones similares a las de un profesional decorador de interiores, pero en este caso, seleccionando obras de arte y centrándose únicamente en materias de arte. Para ello, deben estar en constante estudio de las nuevas tendencias en el arte o arte antiguo. Su éxito está en entrar en sintonía con los gustos de su cliente[25].

 

 

4.- Valor económico de la obra de arte. Mercado primario y mercado secundario.

 

Como todo bien económico, el objeto de arte se haya sujeto a las leyes de la oferta y de la demanda. Hay una persona oferente de la obra de arte en cuestión; -bien sea el propio artista que decide vender la obra, o bien, un intermediario como puede ser un galerista o subastador. Y al otro lado de la cadena, hay un demandador de la obra que, sería el comprador coleccionista potencial o, un intermediario como puede ser un Art Consultant, por ejemplo.

 

Ahora bien, ¿Cómo se le pone precio a una obra de arte? ¿Qué es lo que determina su valor? Si bien la obra de arte es considerada un objeto de lujo debido a que no satisface una necesidad primaria, hay que tener en cuenta que el arte es satisfactorio de otro tipo de necesidades de orden estético, espiritual o emocional. Entonces, puede decirse que la adquisición de una obra de arte viene dada por la sencilla motivación estética del disfrute por parte de la persona interesada o, de un colectivo social en caso de que la obra tenga cierta trascendencia cultural y social.

 

Principalmente, a la hora de ponerle precio a una obra en concreto de un artista, influye el valor por el que ese artista se está cotizando en el mercado, es decir, las obras que se han vendido de ese artista en el mercado de características similares a la que se va a vender ahora. Si es pintura, escultura, grabado, fotografía, etc., lo habitual en ese artista.

Y luego, también son factores determinantes del precio de una obra de arte, el grado de unicidad o rareza de la misma. No valdrá lo mismo una litografía de la que hay varia copias que una pintura realizada en un estilo determinado de la que haya varias copias o una única. Si de una obra determinada, abundan piezas de un determinado estilo, o todo lo contrario, eso también hará que el precio oscile. Y por supuesto, es importante también considerar el estado de conservación de una obra, el que haya sido expuesta en alguna institución museística, si ha aparecido en alguna publicación y quiénes han sido sus anteriores propietarios (en caso de que los hubiese). Y la ejecución técnica de la obra; a mayor perfección, mejor será valorada, sin embargo, lo mismo ocurriría al contrario.

 

El mercado del arte es un territorio complejo a la hora de entender la lógica de estimación del precio de una obra. Sin embargo, no sólo hay que tener en cuenta lo anteriormente hablado si no el número de propietarios que haya pasado por sus manos y la importancia histórica de la obra. Cuando la obra es de primera venta, ésta se promovería dentro del mercado primario del arte y, cuando es el caso que la obra es de segunda, tercera, cuarta, etc. venta, se estaría promoviendo dentro del mercado primario de arte. Al contario que cualquier otro objeto puesto en venta, la obra cuando es de segunda mano, tercera, etc. se revaloriza y, por tanto, adquiere un mayor valor de dinero en el mercado.

 

Los primeros en promocionar el arte son los marchantes y galeristas que representan a X o a Y artistas en el mercado primario; y luego sus coleccionistas adeptos. Los coleccionistas o marchantes que, luego van a las subastas a pujar o, en otros casos, a revender la obra del artista actúan a manera de patrocinadores[26].

 

   Mercado primario

El mercado primario en el arte es el circuito de compra venta donde la obra se compra/vende por primera vez. En este circuito, el artista suele encontrarse en vida. En muchas ocasiones, en este mercado se efectúa el pago directo al artista de los costes de la ejecución de la obra antes o después de la realización de la misma.

Además, a la hora de estimar el precio de una obra en el mercado primario, habría que tener en cuenta:

  • La habilidad del artista
  • Tiempo empleado
  • Tamaño de la obra. A excepción de las obras que son demasiado grandes para una instalación doméstica y, entonces son destinadas a instituciones de tipo oficinas, centros comerciales, lugares públicos o casinos. Estas obras son proporcionalmente más baratas ya que son más difíciles de vender.
  • Costes que implicarían llevar el producto al mercado (transportes, seguro de daños y riesgos, etc.)

 

El artista y el marchante acuerdan juntos el precio inicial de la obra antes de ofrecérsela a los primeros compradores.

 

   Entrevistas a galeristas y marchantes de arte que promocionan a artistas del mercado primario, recogidas en ARCO 2016, sábado 27 de febrero.

 

1)Entrevista con Galería Denise René, París.

  1. La galería trabaja con una línea artística del periodo artístico de la abstracción geométrica o del cientismo de después de 1945. Por lo que, los artistas que él escoge tienen claramente un parecido en su trabajo con la línea de la galería. No rechaza a artistas que trabajen con nuevas tecnologías, sin embargo, su temática debe estar dentro de la línea de la galería.
  2. Es una galería de tipo mixto. En algunos casos, ellos compran la obra del artista pero en la mayoría, la mantienen en depósito hasta que un tercero decide comprarla.
  3. El tiempo aproximado en la venta de una obra nunca se sabe. Es difícil de estimar. Hay obra que se vende enseguida y hay obra que puede tardar cuarenta años en venderse o, incluso, toda una vida.
  4. En general, lo que ellos venden con más facilidad son pinturas frente a otros medios. Aunque también suele tener éxito la escultura.

 

2) Entrevista con Galería Fernández-Brasso, Madrid.

(En general, no dan muchos detalles)

  1. (No responden exactamente a la pregunta en cuestión, pero añaden que: ) Ellos prefieren trabajar con pocos artistas en vez de con varios ya que lo que les interesa es hacer proyectos más extensos y, en mayor profundidad. Ahora mismo están trabajando únicamente con dos artistas, entre ellos, con obra de Antonio Saura.
  2. (Rehúsan a dar detalles) Hacen lo que creen conveniente para reunir las obras y luego pueda ser posible exponerlas.
  3. Cada obra tiene su momento y su público. Una obra puede venderse en dos horas o en cuarenta años. Nunca se sabe.
  4. Da igual qué tipo de medio sea. Siempre que sea bueno el arte, la gente lo va a querer. Aunque añade que, la pintura es siempre uno de los medios de arte que más éxito tiene en ventas.

 

3) Entrevista con Galería Elba Benítez, Madrid.

  1. Indican que, a nivel general, lo habitual en todas las galerías de arte es: antes de ponerse a decidir a qué artistas van a promocionar, tienen que atender a la línea temática de la galería.

Toda galería de arte tiene que atender a unos requisitos de imagen comercial que deben cuidar, y les debe diferenciar del resto de comercios de este tipo. Ellos en concreto, trabajan con artistas interesados en representar arquitectura, instalaciones, artistas que intervengan en espacios, pero siempre tiene que estar su trabajo vinculado con la arquitectura. La decisión de la temática que se va a exhibir y los artistas a los que se van a representar es tomada siempre por el galerista, o sea, el/la propietario de la galería (Elba Benítez, en este caso).

  1. Hay galerías que compran la obra del artista antes de ponerla a la venta y/o en exhibición. Pero en su caso, no son dueños completamente de la obra del artista. En muchos casos, no en todos, se le paga la producción de la obra al artista. Cuando se realiza una venta de la obra de un artista que no ha sido financiada por la galería, el artista siempre se queda con un 60% del precio de la obra. Y, en caso de que haya sido financiada por la galería, además del 40% habitual de comisión para gastos de mantenimiento del local y personal, se lleva un 10% de beneficio; de tal manera que el artista se llevaría un 50% y el galerista, el otro 50% de la venta. Promocionan a 15 artistas en este momento y no piden exclusividad. Por ejemplo, a artistas a los que están representando y tienen como representante principal a otra galería distinta a la Galería Elba Benítez, esa entidad principal promotora del artista en cuestión, debe llevarse un 10% de la comisión en una venta realizada por la Galería Elba Benítez. Ese porcentaje es descontado de la correspondiente parte de comisión que se llevaría la Galería, quedándose con un 30% del precio de en venta de la obra y el 10% para la Galería, representante principal, de dicho artista (Mio: que, posiblemente haya corrido con los gastos de producción de su obra).
  2. Hoy en día, la venta de una obra de arte puede estimarse más o menos cercana ya que el coleccionismo de ahora se guía en función de modas y estilos. No solo a la hora de comprar si no que los artistas también producen su obra en función de estas modas.
  3. Lo que tiene más éxito en ventas es la pintura. Sin embargo, el tipo de pintura que ellos venden no es un tipo de pintura habitual, ni es de tipo “decorativo”, por lo que, no se suele vender con la misma rapidez que una pintura de tipo figurativo.

 

 

    Mercado secundario

Aquí entraría a comerciarse con obras de arte de segunda, tercera, cuarta, vigésima venta o más. Como hemos dicho antes, a diferencia de cualquier producto que se pone a reventa cuyo precio se devaluaría, en el mercado del arte no suele ocurrir así. Cuando un artista adquiere cierto prestigio, el precio de su obra en el mercado secundario puede adquirir una revalorización.

 

El precio de una obra de arte se suele justificar en función de la rareza y unicidad de la misma o, por el contrario, en valor a su abundancia[27]. Las proclamaciones de rareza hay que examinarlas con cuidado, hay que tener en cuenta que un mismo artista a lo largo de su vida puede haber explorado medios muy diversos (óleo, pastel, lápiz, acuarela, vídeo, fotografía, etc.) y, al mismo tiempo, hay artistas que a lo largo de toda su vida han producido más obras que otro artista; o al revés. Para tener una lista completa de toda producción de un artista, se crean unos instrumentos llamados catálogos razonados o catálogos críticos. Los catálogos razonados de un artista son instrumentos imprescindibles para determinar la oferta de obras artísticas.

 

A la hora de indicar un precio, es importante saber cuántas obras del mismo artista hay de ese tipo, tamaño y fecha. Un buen marchante no solo ha de manejar la información del catálogo razonado, sino también debe saber si hay propietarios de alguna obra, quiénes son y saber cuántas obras de un tipo en particular pueden llegar a estar a la venta, todo ello para hacer suposiciones razonables acerca de las posibilidades de adquirir una obra en particular. Los catálogos razonados no son baratos pero son indispensables para museos, bibliotecas y galerías o anticuarios que trabajen con obra de ese artista en particular.

Cuando se trata de estimar el precio de una obra de arte en el mercado secundario, se acude a los precios de venta obtenidos en las subastas de anteriores ventas de esa misma obras en cuestión o de otras obras del mismo artista. Las casas de subastas cuentan con que son empresas de tipo público y gozan de mayores fondos y capital para contratar a personal especializado en realizar estudios de mercado, análisis de condición de una obra, autenticidad, archivo de exposiciones y calidad de una obra. Por ello, son empresas que gozan una mayor confianza del público. Los resultados de las subastas pueden consultarse públicamente. Es habitual que coleccionistas y marchantes o anticuarios dedicados al sector del mercado secundario, consulten estos catálogos. Desde la aparición de Internet, éstos pueden encontrarse en las webs de las propias casas de subastas. O a si se quiere encontrar análisis más detallados, de una manera global de las ventas por año, puede consultarse webs como Artprice.com o Artnet.com.

 

Pero según M. Finlay, para inferir en el valor del mercado del arte hay que sopesar datos exclusivos de cada obra de arte y las circunstancias de la venta. Para ello, hay que sopesar cinco atributos cuidadosamente:

  • Procedencia
  • Condición
  • Autenticidad
  • Exposición
  • Calidad

 

  1. Procedencia: Registro elaborado por galerías, casas de subastas o marchantes. Dicho registro contiene un historial de propietarios. En esta lista viene indicado el nombre del propietario o, en caso de no haber sido especificado, se indica el lugar donde se hallaba conservada la obra de la siguiente manera: Colección privada, Nueva York. Además, del historial de propietarios, se determina el número de años en posesión de la obra por parte del coleccionista.

 

  1. Condición: Documento elaborado por un restaurador o conservador, resultado de una examen físico de la obra de arte. En las galerías, anticuarios o casa de subastas estos exámenes no son tan técnicos como los resultados para museos. Según M. Finlay, <<la influencia de la condición en el precio suele depender de la cultura y de los cambios de gusto. […] La diferencia entre una condición “buena” y una “excelente” puede representar una diferencia del 15% al 20% en el precio de la obra. Las obras en malas condiciones suelen perder hasta un 40% del precio normal en ese artista, y si se ha restaurado o repintado más de la mitad de la obra, ésta puede no ser vendible. Algunos catálogos razonados indican las obras seriamente dañadas y reparadas y esta reputación perseguirá a la obra para siempre.

El fuego, el agua y el manejo descuidado que suele acompañar a los robos son las principales razones de los problemas graves de condición de las pinturas. Los marchantes respetables no trabajan con estas obras>>.

 

  1. Autenticidad

 

  1. Exposición: Registro de un historial de exposiciones de la obra. Si la obra ha sido o no expuesta en lugares de prestigio. Puede darse el caso de que la obra sea empleada para ser expuesta en una exposición importante en un museo; en ese caso, su precio aumentaría. Y hechos como la mención en libros, revistas o, que haya sido reproducida para la creación de merchandising o; su publicación en un catálogo razonado; son también factores incrementores del precio de una obra (aunque creo que no afectan a éste directamente).

 

  1. Calidad

 

 

5.- Top 10 ránking de venta de arte en el pasado año 2015

 

Según lo que se indica en el informe del pasado 2015, elaborado por Artprice.com, empresa líder en información sobre el mercado del arte a nivel mundial, hasta ahora <<no existe una relación real entre el precio de una obra en un momento dado y su precio futuro>>[28]. Paul Gauguin, Vincent Van Gogh, Modigliani y otros tantos artistas, soportaron amargos fracasos en sus ventas en vida, antes de convertirse en algunos de los artistas más caros del mundo. Sin embargo, <<el arte contemporáneo suscita un interés cada vez mayor en los amantes del arte, coleccionistas, profesionales e instituciones de todo el mundo>>[29] ya que entre 2000 y 2014 la industria museística ha experimentado un incremento en su desarrollo gracias a la construcción de más de 700 nuevos museos[30].

 

El pasado año se registraron 49.000 artistas contemporáneos en la oferta de las subastas públicas. Sin embargo, debe tenerse en cuenta, que los coleccionistas siempre compiten por los mismos nombres, -sobre todo, en el mercado de la alta gama. El 68% de los ingresos globales del arte contemporáneo (1200 millones de dólares) se reparten entre 100 artistas, de los cuales el 35% de los ingresos se divide entre el top 10 de artistas contemporáneos por producto de ventas. El top 10 de artistas contemporáneos más pujados en las subastas públicas a nivel global son: en primer lugar, J.M Basquiat, en segundo, C. Wool, en tercero, J. Koons, cuarto, D. Doig, quinto, M. Kippenberger, sexto, F. Zeng, séptimo, R. Prince, octavo, X. Zhu, noveno, K. Haring y décimo D. Hirst[31].

 

  Visión Emic/Etic del proceso de autopromoción de un artista recién egresado de la Facultad de Bellas Artes.

 

El artista por antonomasia de la autopromoción, autogestión, autofinanciación y autopublicitación es Damien Hirst. Junto con otros compañeros suyos de carrera, organizaron Freeze en 1988. Y aún encontrándose en su segundo año de carrera en la Goldsmith College of Arts de Londres, se entregó a la labor de curator de la exposición.

 

Inglaterra en ese momento se hallaba en un momento socioeconómico y político complejo para las artes, -muy similar a la situación que había en Estados Unidos para las artes liberales. En el gobierno de Margaret Thatcher, la política aplicada a los mercados era la de la práctica del libre mercado, lo que significaba que a penas había ayudas económicas por parte del gobierno.

 

<<En Europa, el joven arte contemporáneo es dependiente de instituciones financieras por el Estado. Si los museos no organizan estas exposiciones, nadie lo hace. En Gran Bretaña hay mucho menos apoyo para el arte contemporáneo procedente del dinero público, pero los artistas no se quedan sentados quejándose, -lo hacen ellos mismos>>[32].

 

Entonces, Hirst y sus compañeros gozaron de la suerte de que la London Docklands Development Corporation (LDDC) y la Olimpia and York financiaron parte de los gastos de la exhibición. Además de que la primera institución les cediese el Port of London Authority Building en Playmouth Way, un almacén desocupado en la ciudad de Londres.

 

Tal y como requería la tarea, Hirst se guía por sus instintos para escoger a los mejores de su escuela. Dieciséis artistas, contándose a sí mismo, serían los escogidos para exponer obra en Freeze. Entre varios, adecentaron el lugar donde se esperaba el show con el propósito de que adquiriese un aspecto de la mayor profesionalidad posible. Incluso, diseñaron un catálogo, el cual sería financiado por la promotora inmobiliaria del Canary Wharf y, cuyo breve ensayo sería redactado por el director del departamento de Historia del Arte de la Goldsmith: Ian Jeffrey.

 

Previo a la inauguración de la exposición, Hirst invitó a un buen número de galeristas londinenses , asegurándose de que ninguno faltaba a la cita y, comprometiéndose a recogerles en la puerta de su casa. Entre los asistentes a la exhibición se encontraban personalidades tan influyentes como Charles Saatchi o Norman Rosenthal, secretario de la Royal Academy of Arts.

 

Aunque según el crítico Matthew Collins, el arte expuesto en Freeze era “falto de interés”[33], y quizás no hubiera existido sin la influencia en la cultura visual de aquel momento. La revolucionaria estética del shock puesta de moda años anteriores por la agencia publicitaria Saatchi & Saatchi que para aquel entonces había sido “transformada” en la popular y reconocida Saatchi Galery.

 

El coleccionista, magnate y galerista, Charles Saatchi, se enamoró de aquel arte y llegó a comprar varias obras. Es a partir de Freeze cuando el arte de los jóvenes artistas británicos va empezando a afianzarse.

 

Este es un ejemplo perfecto para hablar de autopromoción en el arte. Sabemos, que si se probase a hacer algo parecido, habría muchas posibilidades de que ello funcionase; sin embargo, hay que tener en cuenta otros factores como los de que nos hayamos en un momento distinto, las modas han cambiado y las demandas han variado un poco a lo largo de estos años, por muy breve que haya sido el espacio de tiempo desde la presentación de Freeze en 1988. Pero no solo eso, en todo ese estudio y especulación de los acontecimientos, hay mucho azar y suerte en el cálculo de que un proyecto artístico funcione en términos de éxito en la inversión de haber realizado dicho proyecto y que lo compre un coleccionista.

 

Actualmente, la distribución del material artístico se ha convertido en una tarea algo más sencilla gracias a la aparición de Internet y el uso masivo de las redes sociales, en esta plataforma electrónica; lo cual, ha permitido que se expanda la visibilidad de cualquier aparición de material artístico, aplicándose una estrategia de Relaciones Públicas y Marketing Online adecuada para calcular un índice de visibilidad más o menos exitoso en un radio de territorio más extenso que lo que permitiría la distribución de material artístico a la vieja usanza (organizar una exposición en X sitio y que venga la gente de los alrededores); y por tanto, tenga un mayor impacto dicha estrategia de distribución y visibilización.

Sin embargo, no por hablar de los beneficios y ventajas de los nuevos medios electrónicos de masas, aplicados a la promoción del arte y artista, ello debiera excluir a las formas tradicionales y más asentadas de visibilización de arte como lo son las exposiciones de arte en una galería, feria, salón o aparición en medios de comunicación tradicionales. Ambos sistemas actúan de manera totalmente complementaria.

 

Estableciendo unas conclusiones desde las posturas, en primer lugar etic, y en segundo lugar, emic podremos resumir lo diseminado anteriormente en este trabajo y establecer unas conclusiones personales de lo observado en este recorrido de aprendizaje.

 

Desde un posicionamiento etic, con la aparición del sistema económico capitalista, desaparecen la antiguas formas de mecenazgo. Surge la figura del marchante de arte como personaje intermediario entre el artista y el arte que quiere dar a conocer y la sociedad.

Es a partir de la década de los setenta, cuando los marchantes de arte realmente cobran su máxima notoriedad; sobre todo en Estados Unidos, lugar donde el arte emergente del momento demuestra tener una buena acogida entre la sociedad. Y a ello contribuye el que un sector de la misma, tenga la posibilidad de invertir unos capitales en las artes.

 

La elección por la dedicación al arte, proceso de creación y técnica y, las temáticas de producción artística escogidas por los artistas están muy ligadas a los valores inculcados por sus familias, a la formación específica recibida dentro de la institución de aprendizaje, y otra serie de elementos fortuitos y casuales que van surgiendo dentro del camino recorrido por cada artista.

 

Según lo mencionado anteriormente, aunque el artista dentro de un sistema económico capitalista en el que ya no hay cabida a la figura de los patronos y mecenas que piden encargos al artista durante toda su vida como ocurría en épocas anteriores, el artista sigue sin poseer libertad 100% para la creación. Las ideas están fuertemente influidas por el sistema social dentro del cual se circula, habita y, uno se educa.

El artista también debe tener en cuenta que la distribución, recepción y acogida de su obra viene fuertemente determinada por los gustos de la sociedad, el nivel económico que posee la misma y la época en la que se encuentra.

 

La manera de que un artista adquiera prestigio en una sociedad o, más bien, ésta a través de su obra; se consigue empezando por una labor de distribución donde su obra pueda dar lugar a ser visibilizada. A ello contribuye como hemos visto, que los Influencers o, -también llamado público especializado-, fijen una opinión sobre la obra de determinado artista y dicho juicio sea visible y conocido por un amplio público siendo publicado en los medios de comunicación tradicionales y/o electrónicos.

Entonces, aquello que no es conocido, no se distribuye. Sin embargo, si no es distribuido, no podrá llegar a ser nunca conocido. Es importante que los artistas noveles tengan esta premisa muy presente. Hoy en día, no es necesario tener un representante que te escoja para promocionar tu obra; existen muchos otros canales de posibilidades a explorar, sobre todo a través de la web y las redes sociales (más adelante se hablará de un caso concreto).

 

Hemos visto que los lugares tradicionales de promoción, distribución y visibilización del arte son los salones de arte, casas de subastas, ferias de arte e Influencers. Estos tienen mucho éxito y gozan de un buen número de visitas cuando llega el momento de lanzarse el evento. Sin embargo, aunque no se diga públicamente, estos círculos suelen ser bastante selectos y no suelen entrar artistas noveles. Dentro del sistema tradicional, existen galerías de arte que apuestan por los nuevos talentos. Éstas son las llamadas galerías de arte para artistas emergentes. Dentro de Madrid, podemos citar algún ejemplo Galería Artarté, las galerías de arte por la zona de Lavapiés y en la calle Doctor Fourquet. También existen en las ferias de arte, proyectos para la introducción de artistas emergentes en las mismas a través de galerías de arte. Sin embargo, dentro de los modelos tradicionales de distribución, organización de exposiciones, etc. se están introduciendo nuevos modelos de hacer que están permitiendo el acceso y participación a un mayor número de personal creativo, el cual no necesariamente tiene por qué verse restringido no sólo a unos pocos artistas, sino también a diseñadores gráficos, diseñadores de objetos, de moda e interiores, permitiéndose aflorar un ambiente de lo más variopinto en lugares como hoteles o en locales en alguna zona de las urbes. Podemos citar como ejemplos: el proyecto por el que apuesta este año Feriarte, una de las ferias de antigüedades más importante de España, apostando por la fusión con Product Design Madrid, en donde se vería por primera vez en una feria de España un stand exclusivo para la exposición del Art Design. Por otro lado, Otra Puta Feria Más, proyecto lanzado este año 2016 con la finalidad de dar cabida a una mayor democratización del arte.

Por otro lado, desde el nacimiento de la web 2.0 y la popularización de los blogs y redes sociales, ha sido posible la creación de comunidades virtuales donde las personas desde distintas partes del planeta intercambian información en relación a temas de su interés. En los últimos años, han empezado a utilizarse todas estas plataformas con el fin de dar una mayor difusión a la información. En el mundo del arte, ha ocurrido lo mismo y numerosas galerías de arte se han virtualizado y ahora gozan de presencia en la red , casas de subastas, ferias de arte, consultores de arte, etc. Y desde la popularización de la filosofía del DIY (Do It Yourself), muchos artistas están aprovechando para crear su propio site de visibilización a través de numerosas redes sociales muy populares entre la sociedad, conectarlas al blog donde van posteando todos los detalles de aquellos proyectos en los que van trabajando y, a su vez, a su espacio web donde se presentan a sí mismos como empresa de sí mismos. Todo esto no quiere decir que las formas tradicionales de distribución de arte dejen de ser útiles. Hasta el momento se ha visto que ambas opciones son perfectamente compatibles y complementarias. Pero el futuro está por verse.

 

La gente que compra arte, normalmente, lo hace por la motivación del goce estético. Pero hablar de comprar arte es algo muy amplio. La compra de un objeto de arte no funciona como quien decide que necesita comprarse un par de calcetines para el invierno de Soria. Se trata de un tipo de adquisición parecida a la elección de la persona de la que te vas a enamorar; es decir, no existe ningún tipo de pragmatismo en esa elección.

 

Hemos visto que a la hora de ponerle precio a una obra de arte, en primer lugar, hay que tener en cuenta el precio por el que el artista se está cotizando en el mercado. O dicho de otra manera, el precio de una obra se puede estimar poniéndose en relación al de otras de sus obras vendidas en el mercado que posean características similares a la que se va a vender. Esto, en un principio, ocurre tanto en el mercado primario de ventas como en el secundario. Pero no es tan sencillo.

En el mercado primario, artista y galerista negocian el precio que se le va a poner a la obra, teniendo en cuenta cuatro cosas: habilidad, técnica y soporte; tiempo invertido; tamaño; y peritajes, seguro de daños y transporte.

 

Cuando se trata de estimar el precio de una obra que pasa al mercado secundario, antes de nada, se revisa el catálogo razonado del artista. Como se ha visto anteriormente, el catálogo razonado de un artista aúna toda la obra del mismo clasificada por tipología y fechas y se revisan los precios de venta de otras obras vendidas del artista o se revisan los precios de venta obtenidos en subastas de la misma obra u otras obras del mismo artista. Sin embargo, el precio de la obra puede variar dependiendo de si hay mucha obra disponible del artista o no; la moda y demanda de la obra del artista en ese momento; los informes realizados sobre esa obra por personal especializado, detallando la procedencia de la obra, su condición, autenticidad, historial de exposiciones de la obra y la calidad de la misma.

 

Centrándonos en el mercado del arte contemporáneo, la realidad es que el mayor volumen de capitales se reparten entre el top 10 de artistas contemporáneos por los que más se puja en subastas (Basquiat, Wool, Koons, Doig, Kippengerger, Zeng, Prince, Zhu, Haring y Hirst, en su mayoría de procedencia anglosajona). Los países que más dinero invierten en arte son Estados Unidos, China y Reino Unido. Éstos son países que gozan de un importante PIB por lo que se hace favorable el que se invierta en obras de arte que, son productos generalmente caros. La técnica que más se vende es la pintura, después las esculturas, dibujos, fotografía, grabados y por último, otros medios (videoarte, instalaciones, etc.).

 

Se hicieron varias entrevistas a algunos galeristas durante la pasada celebración de la Feria Arco 2016. Las conclusiones extraídas tras las entrevistas es que, pese a que cada galería tiene su propia línea temática y partiendo de esa base, escogen a los artistas que promocionan. Si un artista es bueno y original, les va a interesar, dejando las modas a un lado. Y los coleccionistas no sólo compran por impulso sino también cuando tienen referencias sobre un artista. Por lo que es muy importante ganar cuanta más visibilidad posible y en todo tipo de canales: exposiciones en lugares de influencia, notas de prensa, redes sociales, que algún especialistas se interese por tu obras, etc.

 

Para cerrar las conclusiones de la investigación realizada, se va a hablar desde una postura emic, tratando de resumir las experiencias personales a lo largo del recorrido andado en este trabajo, sobre el funcionamiento del mercado del arte y qué sería lo más conveniente realizar para artistas noveles.

 

En primer lugar, antes de empezar a leer nada en ningún sitio, decidí irme de paseo a buscar conversaciones con distintos galeristas por Madrid. Me informé sobre cómo había que hacer para conseguir una exposición en sus establecimientos. Parece que hay una gran línea que separa la Facultad de Bellas Artes y el mundo de las galerías; pero me di cuenta que no es así. Si uno va a hablar de profesional a profesional, los galeristas son personas bastante accesibles y están deseando ver nuevas caras y proyectos nuevos. Claro está, que hay que ir al lugar indicado y, para un artista novel, el lugar correcto es ir a hablar con galeristas que promocionan artistas emergentes. Sin embargo, una cosa que no se nos enseña en la Facultad es cómo demostrar profesionalidad. Bien, es una cosa muy sencilla. Si uno quiere ofrecer algo que queremos que a alguien le interese, se tiene ofrecer que ser algo sólido, atractivo y bien presentado; pues, ocurre lo mismo con uno mismo. Muchas veces no se convence a otro a través de tu producto, sino que a ello hay que contribuir a través de tu persona. Demostrando seriedad, confiabilidad hacia la otra persona, compromiso y calidad en el trabajo; es muy probable que uno tenga suerte en poder hacer negocios con la ora persona. Y sobre todo, ir al lugar adecuado. Las galerías de arte quieren productos que, más o menos, entren dentro de la temática por la que ellos se guían, conocen y a la que está enfocada. E ir a una que esté dispuesta a arriesgar por los nuevos talentos.

 

Especular sobre el tiempo de venta de un objeto de arte es algo muy poco determinado. Pero en vez de centrarnos en eso, es mejor centrarse en lo qué sí puede controlar un artista. Bajo mi punto de vista, no hay que centrarse tanto en hacer obra por hacer obra, sino en hacer Las Obras y en procurar que lleguen a cuanta más gente posible. Cuando hablo de Obra, me refiero a crear un proyecto que tenga una temática sólida, tenga una investigación detrás, se hayan empleado materiales de calidad para su ejecución y se vea que se ha hecho un trabajo bien cuidado; eso es atractivo a los ojos de cualquiera. Decíamos que en vez de hacer por hacer, lo ideal sería hacer menos pero de mayor calidad, con el fin de minimizar gastos y esos gastos tratar de revertirlos en crear beneficio o, simplemente recuperar el dinero invertido en dicho proyecto (que seguramente no sea poco). La clave puede ser: centrarse en hacer una buena labor de relaciones públicas. Es decir, existen numerosas posibilidades que implican costes mínimos o cero, que tienen un gran impacto social y de visitas y, lo más importante: son accesibles a todo el mundo. Estamos hablando del poder que tiene Internet entre miles y millones de personas en el mundo. ¿Cuáles son los sites virtuales que reciben una mayor cantidad de visitas al día? En primer lugar, las redes sociales. Facebook, Twitter e Instagram son fuente de numerosas visitas de personas al día en todo el mundo que tiene acceso de conexión a Internet. La clave es crearse una presencia en todas ellas y postear contenido en ellas con cierta frecuencia. En un primer momento, familiares y amigos serán los primeros en hacer seguimiento del contenido publicado en estos lugares.

 

Bien, la clave de las relaciones públicas está en que si lo que contamos es de interés para nuestro primer público, la información irá circulando en boca de nuestros seguidores a otras personas que puedan verse también motivadas a seguir nuestros movimientos. Todo ello bajo un coste cero de dinero. Aunque, por otro lado, es una tarea que requiere tiempo pero es un tiempo que puede ser vital y traer consigo otras oportunidades de visibilización, -hay que quedarse con la palabra: oportunidades.

 

En estos meses que llevo de investigación, me creé una página en Facebook, Roberta d’Amore[34], donde iba posteando información del proceso que iba siguiendo mi proyecto. Según los análisis de visitas que posee Facebook, desde que activé mi página, llegué a los 170 likes a finales de febrero de 2016, en cuestión de una semana y; hasta ahora he logrado alcanzar los 190 likes, a mediados de abril de 2016. He conseguido lograr una media de 2,8 likes por semana. De entre las personas que siguen mi página, todas las publicaciones realizadas hasta ahora han tenido un 70 % de alcance de media, un 50% de interacciones y un 25% de personas han participado en mis posts. Teniendo en cuenta, que mis posts iban a razón de uno o dos por semana, las cifras de visitas son bastante positivas.

 

La presencia en redes sociales es importante; pero no lo son todo. Éstas sirven para ir dando pequeños sorbos de información a los seguidores. Es importante complementar esos resúmenes con datos más detallados, ya sea creándose un Blog y/o página web. En mi caso, llevo escribiendo en un blog desde 2011. Éste está creado en un dominio de la comunidad Blogspot, que ofrece servicios gratuitos. En http://www.esteticaenpalabras.blogspot.com, escribo sobre temas por los que me he ido interesando relacionados con el arte y mi manera personal de observar las cosas. Es un blog, sobre todo, donde recojo reflexiones personales, escribo sobre poesía que engloba temas que tocan mi sensibilidad y publico algunas de las investigaciones que he ido realizando. Desde que empecé el blog, he ganado algunos seguidores y, en algún caso, alguno de ellos me ha escrito interesándose por alguno de los posts que escribí. Es perfectamente compatible conectar el Facebook (Roberta d’Amore), Twitter (roberta.damore) e Instagram (roberta.c.damore) al blog. Es muy útil informar a tus seguidores en redes sociales sobre tus nuevas actualizaciones en el blog o nuevos proyectos en la web con la finalidad de no perderse las últimas novedades.

 

Realizando esta investigación sobre el mercado del arte, se puede observar que me interesé por el tema de ver un poco qué sucede cuando intentamos hacer una campaña de relaciones públicas por nuestra cuenta en Internet. En primer lugar, busqué un poco de información sobre cuáles eran las plataformas con más visitadas en Internet y cuáles eran las mejores fórmulas para crearse toda una comunidad virtual con tu nombre o, como se dice en el mundo comercial, tu marca. Haciendo pruebas, llegué a la conclusión de que la mejor opción era crear contenido en un blog. No un blog cualquiera, sino uno que ofreciera la posibilidad de crearse un dominio propio y a través de este, poder aspirar a la creación de un espacio web totalmente personal a bajo coste, dando una apariencia 100% profesional e independiente. Así fue como descubrí WordPress.

 

A través de los servicios de WordPress, una plataforma que, un principio, se creó para el montaje de blogs gratuitos para sus usuarios. Ahora ofrece la posibilidad de solicitar un nombre de manera gratuita y pagar por tu dominio 18€ al año, permitiendo que tu nombre aparezca entre una de las .com. Así fue como creé: http://www.robertadamoreartfacts.com; con la intención de mostrar el producto final de mis obras, mi biografía a modo de currículum vitae, artículos de interés sobre arte y experiencias en el mercado del arte.

 

A decir verdad, he disfrutado mucho realizando esta investigación y me gustaría continuar investigando las posibilidades del mundillo. Espero que pueda resultar de gran utilidad a las personas que terminen leyendo este trabajo. Para concluir, la actividad en la web y las comunidades que vayamos a crear en las que ganemos muchos seguidores, no deben ser algo definitivo. Éstas son sólo un comienzo o continuación a la promoción de nuestras obras de arte para mantener a nuestro público al corriente de lo se que va a haciendo y las exposiciones que vayamos organizando o, incluso, para permitir a personas especializadas descubrir nuestra obra. Pero la actividad web no debe ser nuestra única presencia; deben actuar como un incentivo a las personas a conocernos. La actividad virtual debe actuar como complemento a las formas de promoción tradicional, ya sea: en la participación de salones de arte, exposiciones en centros culturales, galerías de arte, ferias, etc.

 

Anexo 1

Estadísticas en imágenes de países con más compras de arte contemporáneo en el mundo y medios artísticos de mayor éxito

Captura de pantalla 2017-07-05 a las 22.46.24

Captura de pantalla 2017-07-05 a las 22.46.42

 

Anexo 2

Estrategias para la autopromoción del artista en las Redes Sociales

1-. Diseña una estrategia de contenidos. ¿Qué crees que puede ser más útil? ¿Informar? ¿Entretener? ¿Dar servicios? ¿Hacer reír?

2-. ¿En qué formato irán esos contenidos? Texto, audio, infografía, cómic, vídeo…

3-. ¿Cada cuanto tiempo debo crear contenido? Estudia a tu público, cuándo pueden estar más receptivos (días laborables, festivos), etc.

4-. Sé constante. Una vez que fallas, pierdes la confianza de tu seguidor.

5-. Mide resultados. Todos podemos equivocarnos, lo más importante es darse cuenta cuanto antes[1].

 

Anexo 3

Modelo de contrato con Galería para exposición temporal

 

En (lugar y fecha de la suscripción del contrato), a ……… de ……… de ………

 

REUNIDOS

 

De una parte,

 

D/Dª (datos personales del autor), mayor de edad, con domicilio en …….. , y provisto del N.I.F ………

 

Y de otra parte,

 

D/Dª (datos personales de quien firme, bien en nombre propio, bien en nombre de la galería o representante), mayor de edad, con domicilio en ……., titular del N.I.F ………

 

INTERVIENEN:

 

D/Dª …….. en su propio nombre y representación y D/Dª ……… en calidad de (cargo o facultad con la que actúa el representante, por ejemplo: director-gerente, administrador de la galería) de la entidad (datos de la entidad mercantil, siendo ésta la figura jurídica de la galería que es quien, efectivamente , se obliga frente al autor/a), con el N.I.F ………, y domicilio ………, inscrita en el Registro Mercantil de (datos de registro de la galería o entidad representada).

 

(ver el punto 3.1 de la Introducción).

 

Ambas partes se reconocen mutuamente la capacidad legal y la legitimidad necesarias para obligarse en este contrato y

 

MANIFIESTEN:

 

  1. Que D/Dª (nombre del artista) (en adelante AUTOR/A) crea y realiza obras de (describir los campos del arte y soportes con los que trabaja el artista), cuya calidad y características son bien conocidas por D/Dª (nombre de la galería) (en adelante GALERÍA).

(ver el punto 1 de los Comentarios)

 

  1. Que la GALERÍA se dedica profesionalmente y como actividad habitual a la exposición, depósito, promoción y venta de obras de arte, utilizando para ello un espacio abierto al público con las autorizaciones administrativas necesarias.

 

III. Que la GALERÍA está interesada en proceder a la exhibición y venta de la obra que se mencionará, durante el plazo de (establecer el periodo de duración del contrato que, normalmente, coincidirá con el tiempo de la exposición), a la que el AUTOR/A presta su autorización de conformidad con la que se establece este documento.

 

  1. Y que, conformes las dos partes, han convenido este contrato en virtud de los siguientes

 

PACTOS:

 

PRIMERO. OBJETO DEL CONTRATO

 

El AUTOR/A entrega en este acto a la GALERÍA, que las recibe, las piezas que se mencionarán, comprometiéndose a cuidarlas con la debida diligencia, manteniéndolas en perfecto estado de conservación y lugar adecuado para su exhibición.

 

(descripción de las piezas y los precios pactados, ver el punto 2 de los Comentarios)

 

Las citadas piezas las recibe la GALERÍA para ser exhibidas públicamente en la exposición que se celebrará en el espacio que la misma tiene destinado a tal efecto, situado en (dirección del lugar donde las obras serán exhibidas) durante los días (fijar las fechas de la exposición).

 

El AUTOR/A autoriza, expresamente, a la GALERÍA para que pueda vender las obras objeto de exhibición según el precio estipulado y que se ha hecho constar expresamente en la relación te obras transcrita anteriormente.

 

SEGUNDO. DURACIÓN DEL CONTRATO

 

La duración del presente contrato será del día de hoy hasta el próximo día (fijar el día), fecha en la que la GALERÍA deberá entregar en el lugar que el artista indique las piezas que no hayan sido vendidas.

En ningún caso se podrá entender prorrogado el contrato, excepto autorización expresa y por escrito del AUTOR/A.

 

Llegado el día pactado para la devolución de las obras, sin que la GALERÍA las haya retornado al lugar donde el AUTOR/A haya indicado, éste podrá exigir a la GALERÍA la devolución inmediata de la obra o el pago de las obras no retornadas al precio acordado en el Pacto Primero de este contrato.

 

TERCERO. CONTRAPRESTACIONES ECONÓMICAS

 

El AUTOR/A y la GALERÍA han fijado de común acuerdo el precio mínimo por el que la GALERÍA tiene que ofertar cada una de las obras, excluido el I.V.A.

 

Los precios de las piezas pactados son inamovibles, excepto autorización expresa y por escrito del AUTOR/A.

 

Sin perjuicio del que se ha señalado en el párrafo anterior, el AUTOR/A autoriza a la GALERÍA a ofrecer un descuento de hasta un….% sobre los precios mínimos, en las ventas que puedan hacerse a museos u otras galerías. El descuento será asumido por las dos partes en igual proporción. En el supuesto que la GALERÍA realice un descuento sin la autorización expresa y por escrito del AUTOR/A será la GALERÍA quien lo asuma, respetando, en todo caso, la cantidad económica a la que tendría derecho el AUTOR/A si se hubiera vendido la obra en condiciones normales y sin la bonificación o descuento.

 

Las partes acuerdan, a fin de dejar claro el sistema de liquidación, que la GALERÍA procederá a la liquidación de las ventas de la obra de la siguiente manera:

 

  1. Del importe del precio de venta (excluido el I.V.A.) deducirá el coste de la producción de la obra, que será recuperado por quien lo haya avanzado.

 

  1. A la cantidad que resulte se aplicará el …….. %, que será el importe que percibirá la GALERÍA, y la cantidad restante será para el AUTOR/A.

 

  1. La liquidación de la venta de la obra se realizará en un plazo máximo de quince días a contar desde la venta.

 

CUARTO. OBLIGACIONES DE LA GALERÍA

 

La GALERÍA se compromete y obliga a:

 

  1. a) Cuidar la obra con la debida diligencia, manteniéndola en perfecto estado de conservación y en el lugar adecuado para su exhibición.

 

  1. b) Abonar las contraprestaciones económicas acordadas en este contrato.

 

  1. c) Respetar los criterios del AUTOR/A en el momento de preparar y realizar la exhibición de la obra.

 

  1. d) Suscribir la póliza de seguro correspondiente para cubrir los siniestros que se puedan producir durante el transcurso de la exhibición, así como para el transporte de la misma desde el taller del AUTOR/A hasta el lugar de exposición y para su posterior devolución.

 

El importe a asegurar será el precio de venta al público de la obra, siendo designado como beneficiario el AUTOR/A.

 

  1. e) Respetar los derechos de autor del AUTOR/A.

 

  1. f) Pagar todos los gastos ordinarios y extraordinarios que se produzcan por motivo de la exposición, que a título enunciativo y no limitativo, son los siguientes:

 

f.1. Los gastos generados por la adecuación de la obra en el espacio donde se tiene previsto exhibirla y/o en su caso el coste de producción de la misma.

f.2. Los gastos de los dispositivos y del montaje necesarios para realizar una correcta exhibición de la obra, así como el posterior desmontaje.

f.3. Los gastos de alojamiento, viajes, desplazamiento y dietas del artista siempre que se produzcan por motivo de este contrato. En caso de que no se puedan acreditar documentalmente los gastos, pero sí su realización, se establecen los siguientes módulos:

–   euros/Km.

–   euros/por manutención.

–   euros/por estancia.

f.4. Las invitaciones de la exposición, pactando las partes su diseño y contenido, respetando siempre el AUTOR/A que la GALERÍA mantenga un diseño o línea de comunicación determinado.

f.5. Las fotografías de la exposición, teniendo el AUTOR/A derecho a obtener copias y duplicados.

f.6. Los gastos del envío postal. Para realizar el envío el artista facilitará a la GALERÍA un listado de las personas que desea invitar, indicando qué direcciones de las del listado que aporta pueden pasar a la base de datos de la GALERÍA. Los gastos de ampliación y mantenimiento de la base de datos y envío de cartas y/o invitaciones irán a cargo de la GALERÍA. En cualquier caso el AUTOR/A se obliga a cumplir con la normativa vigente en todo momento de la Ley de Protección de datos personales.

f.7. Los gastos de diseño, maquetación, fotocomposición e impresión en cualquier tipo de soporte (papel, CD, DVD) que se hagan con motivo de la exhibición de la obra. El AUTOR/A y la GALERÍA acordarán su contenido. Si la GALERÍA mantiene un diseño o línea editorial, el artista deberá respetarlo.

El artista tendrá derecho a quedarse gratuitamente un número no inferior al 10% de los catálogos publicados con motivo de la exposición en caso de que sea una exposición individual y un mínimo de 10 ejemplares si se trata de una exposición o acontecimiento colectivo.

La GALERÍA está obligada a hacer la difusión y distribución adecuada de los catálogos de la exposición y del resto de publicaciones realizadas con motivo de la relación profesional.

f.8. Los gastos de promoción y/o publicidad de la exposición, como la inserción de anuncios en los medios de comunicación, medios especializados, notas y comunicados de prensa y la convocatoria a los periodistas.

f.9. Todos los gastos de embalaje y desembalaje de las obras para su transporte.

f.10. Todos los gastos de transporte de la obra.

f.11. Pagar los gastos de producción de la obra

 

  1. g) Informar al AUTOR/A de cualquier eventualidad que se produzca en la exposición y muy concretamente de:

 

g.1. El presupuesto global y detallado de la exposición.

g.2. Los aspectos relacionados con el montaje, exhibición y desmontaje de la obra.

 

  1. h) Tener los medios y la infraestructura suficiente que le permita llevar a cabo satisfactoriamente, siguiendo las instrucciones del artista, la realización de la exhibición y difusión de la obra, así como las funciones de custodia de la misma.

 

QUINTO. OBLIGACIONES DEL AUTOR

 

El AUTOR/A deberá actuar con el galerista con lealtad y buena fe.

 

En particular, el AUTOR/A deberá:

 

  1. Mantener un nivel máximo de rigor, profesionalidad y responsabilidad en la producción que realice mientras dura la relación contractual.
  2. Cumplir con la realización de las exposiciones o actos de exhibición o difusión de sus obras en el espacio expositivo de la GALERÍA o en otros espacios, solo o con otros artistas, que se haya pactado en el contrato.
  3. Participar en los actos que organice la GALERÍA para divulgar y dar a conocer su obra.
  4. Cuidarse del correcto montaje de las obras en la exposición y cumplir con los calendarios de compromisos que se puedan pactar en el contrato.
  5. Realizar, si así se pacta en el contrato, el mínimo de obras a que se comprometa durante su vigencia.
  6. Proporcionar a la GALERÍA la información necesaria sobre las obras que está realizando.

 

SEXTO. DERECHOS DE AUTOR

 

El AUTOR/A no cede ningún derecho sobre su obra objeto del presente contrato, salvo de los que expresamente se transmitan en este documento, que son la comunicación pública de la obra en la GALERÍA y la posibilidad de vender la misma en las condiciones pactadas en este contrato.

 

Para cualquier otro tipo de exhibición, reproducción, comunicación pública o cesión de la obra, así como para cualquier otra modalidad de explotación de la misma, la GALERÍA deberá recabar la autorización expresa y por escrito del AUTOR/A o de sus representantes.

 

La GALERÍA se compromete a respetar, escrupulosamente, los derechos de autor sobre la obra objeto de este contrato, reconociendo, en todo momento, su autoría, obligándose a informar, cuando así sea requerido por el AUTOR/A, sobre la situación en que se encuentra la obra, su localización y, en su caso, la comunicación de la venta de la obra a los efectos legalmente previstos.

 

(ver en la Introducción el punto “Derecho de Autor”)

 

SÉPTIMO. SUMISIÓN EXPRESA

 

En caso de producirse dudas o discrepancias en la interpretación o ejecución del contrato, las partes, con renuncia a cualquier otro fuero, se someten expresamente a los juzgados y tribunales de (la localidad donde reside el autor).

 

Y para que así conste, en prueba de conformidad, firman este contrato por duplicado, pero sólo a un efecto, en el lugar y fecha indicados en el encabezamiento.

 

AUTOR/A                                                                        La GALERÍA

 

 

 

[1] Marketing de contenidos o el éxito de mr. wonderful – blog aquere : Blog de aquere social media. Retrieved from http://www.aqueresocialmedia.com/blog/2013/12/marketing-de-contenidos-o-el-caso-de-exito-de-mr-wonderful/

 

 

 

 

BIBLIOGRAFÍA

Libros:

  • Baudelaire, C. (2005). Salones y otros escritos sobre arte (3ª ed ed.). Madrid : Visor,.
  • Bourdieu, P. (1988). La distinción : Criterio y bases sociales del gusto. Madrid : Taurus,.
  • Dorfles, G. (1973). Nuevos ritos, nuevos mitos. Barcelona : Lumen,.
  • Espel, M. (2013). El mercado del arte : Reflexiones y experiencias de un marchante (1ª ed. ed.). Gijón (Asturias) : Trea,.
  • Findlay, M. (2013). El valor del arte : Dinero, poder, belleza (1ª ed. ed.). Barcelona : Fundación Gala-Salvador Dalí,.
  • Guasch, A. M. (2003). La crítica de arte : Historia, teoría y praxis (1ª ed ed.). Barcelona : Ediciones del Serbal,.
  • Martín Gordillo, E. (2008). Cómo triunfar en el mundo del arte : Estrategias del joven arte británico de los noventa. [Málaga] : Centro de Arte Contemporáneo de Málaga,.
  • O’Doherty, B. (2011). Dentro del cubo blanco : La ideología del espacio expositivo. Murcia : CENDEAC,.
  • Ortega y Gasset, J. (1991). La deshumanización del arte y otros ensayos de estética ([7a. ed.] ed.). Madrid : Revista de Occidente en Alianza Editorial,.
  • Vega Alocén, G. (2004). La feria internacional de arte contemporáneo-ARCO y su influencia en el mercado del arte español
  • Wolff, J. (1998). La producción social del arte. Madrid : Istmo,.

Internet:

 

 

 

[1] Dorfles, G. (1973). Nuevos ritos, nuevos mitos. Barcelona : Lumen,.

[2] Ortega y Gasset, J. (1991). La deshumanización del arte y otros ensayos de estética ([7a. ed.] ed.). Madrid : Revista de Occidente en Alianza Editorial,.

[3] Barthes, R. La muerte del autor. En: (Compagnon, 2007)

[4](Wolff, 1998) Pág. 34.

[5] Wolff, J. (1998). La producción social del arte. Madrid : Istmo,.

[6] Íbd. Pág. 25.

[7] Íbd. Pág. 60.

[8] Íbd. Pág. 49.

[9] Íbd. Op. Cit. Pág. 32.

[10] Op. Cit. Becker, Howard S. En: Tesis doctoral. Montero Muradas, Isabel. Un modelo de valoración de obras de arte. Dir. Mª Candelaria Hernández Rodríguez. Universidad de la Laguna, Pág. 11. Recurso electrónico: ftp://tesis.bbtk.ull.es/ccssyhum/cs24.pdf [Fecha de consulta: 1 de marzo de 2016].

[11] Interesa saber este dato y ponerlo en relación al tipo de material artístico expuesto, por ejemplo en los Salones organizados por la Asociación Española de Pintores y Escultores. En general, lo que suele abundar son pinturas. En: VALVERDE, Isabel. Cáp.2: La crítica de arte en el siglo XIX: prácticas, funciones, discursos. En: GUASCH, A. M. La crítica de arte. Historia, teorçia y praxis. Ed. Del Serbal. 2003, Barcelona.

[12] Siglas de la Royal Academie of Arts de Londres; -modo de abreviación empleado por sus conciudadanos.

[13]Video explicativo de la Royal Academie Summer Exhibition. https://vimeo.com/13008429

[14] En: Arteaccesible. Aspectos clave del Plan de Negocio de una empresa de una empresa de exposición y venta de arte por Internet. [Recurso electrónico] [Fecha de consulta: 8 de marzo de 2016] http://www.mcu.es/emprendedores/PlanDeNegocios/ViewCasoDeExito.html?casoDeExito.id=4 [En línea].

[15] (O’Doherty, 2011) Pág. 72.

[16] En la actualidad, tanto la casa Christie’s como Sotheby’s están consideradas las mejores garantizadoras de autenticidad de la obra de arte. El proceso de autentificación de una obra de arte resulta necesario en el proceso de estimación de su precio pero no menos importante para la historia del arte.

[17] ESPEL, Miguel. El mercado del Arte. Ed. Trea. 2013, Gijón. Pág. 84.

 

[18] En: Arteaccesible. Aspectos clave del Plan de Negocio de una empresa de una empresa de exposición y venta de arte por Internet. [Recurso electrónico] [Fecha de consulta: 8 de marzo de 2016] http://www.mcu.es/emprendedores/PlanDeNegocios/ViewCasoDeExito.html?casoDeExito.id=4 [En línea]

[19] Art. Periódico. Las redes sociales son el mejor medio que tienen los jóvenes para darse a conocer. Diario El Mundo. 3 de diciembre de 2015. Por: Jose Luís Romo. [Fecha de consulta: 8 de marzo de 2016] http://www.elmundo.es/cultura/2015/12/03/5660239722601dc15f8b45bf.html [En línea]

[20] http://www.esencialmarketing.com/blog/2014/03/26/10-tipologias-de-influencers/ [Fecha de consulta: 6 de marzo de 2016] [Art. En línea]

[21] Los cayeses ingleses eran lugares de reunión donde se hacían acuerdos financieros y donde se gestaban foros en los que se formaba la opinión pública.

[22] De la Villa, Rocío. Cáp. 1: El origen de la Crítica de arte y los Salones. En: La crítica de arte. Historia, teoría y praxis. Ed. Del Serbal. 2003, Barcelona. Págs. 23-28.

[23] Carta que escribe Charles Baudelaire a la burguesía el 1 de mayo de 1846, con el motivo de la inauguración del Salón parisino de 1846. En: BAUDELAIRE, Charles. Cáp.: Salón 1846.A los burgueses. En: Salones y otros escritos. Ed. Antonio Machado. Col. La balsa de la medusa. 2005, Madrid. Págs: 97-99.

[24] Valverde, Isabel. Cáp. 2: La crítica de arte en el siglo XIX: prácticas, funciones, discursos. En: La crítica de arte. Historia, teoría y praxis. Ed. Del Serbal. 2003, Barcelona. Pág. 72.

[25] Art consulting services. Retrieved from http://www.artconsultingservices.net/study/first-test-case-study

[26] (Findlay, 2013) Págs. 28-31.

[27] Findlay, M. (2013). El valor del arte : Dinero, poder, belleza (1ª ed. ed.). Barcelona : Fundación Gala-Salvador Dalí,.

[28] Informe mercado del arte contemporaneo 2015.pdf. (2015). Retrieved from http://imgpublic.artprice.com/pdf/el-mercado-del-arte-contemporaneo-2015.pdf

[29] Íbd. Pág 8.

[30] Íbd. Pág. 8.

[31] Habría que tener en cuenta que en esta lista solo están registrados los artistas contemporáneos con más ingresos recogidos en las subastas públicas a nivel global, nacidos después de 1945. Pero si tuviésemos en cuenta a los artistas vivos nacidos antes de la fecha señalada, habría que considerar el éxito en subastas del pintor Gerard Richer, según los analistas del informe realizado por Artprice.com.

[32] Op. Cit. Ford Simon. En: Cómo triunfar en el mundo del arte. Por Martín Gordillo, Elisabet. Ed. CAC Málaga. Pág. 31.

[33] Op. Cit. Matthew Collins. En: Cómo triunfar en el mundo del arte. Por Martín Gordillo, Elisabet. Ed. CAC Málaga. Pág. 33.

[34] Dirección URL de mi página en Facebook: https://www.facebook.com/Roberta-dAmore-147123608728150/